​

Âm thanh trong phim đôi khi có thể được xem như là phương án sau cùng; một phần nền trên chiếc bánh truyền đạt giúp định hướng một cách trực quan. Tuy nhiên, điều này chắc chắn không phải lúc nào cũng đúng vì nhiều nhà làm phim và các nhà soạn nhạc xem nhạc nền và âm thanh như một khía cạnh nhiều tích hợp hơn đối với bộ phim, chúng thậm chí có thể đóng một vai trò rất lớn trong sự phát triển của bộ phim truyền hình tương đương với bất kỳ yếu tố thị giác nào.

Chắc chắn ý tưởng kết hợp phương tiện truyền thông khác để tạo ra một môi trường mạch lạc và mạnh mẽ hơn không phải là một quan niệm quá mới mẻ, và có thể được xem như các vở opera của nhà soạn nhạc như Handel Mozart, người giúp kết hợp âm nhạc, kịch trường và ngôn từ để tạo ra thứ như là một phương tiện nghệ thuật mới.

Tuy nhiên vào những năm cuối thế kỷ 19 với những bộ phim truyền hình âm nhạc của Richard Wagner mà thực sự bắt đầu lấy ý tưởng của một sự kết hợp của các loại hình nghệ thuật khác nhau theo một cấp độ mới. Điều không thể tránh khỏi này đã tiến vào thế giới phim ảnh vài năm sau đó, nhà soạn nhạc như Max Steiner sử dụng các khía cạnh trong phong cách sáng tác của Wagner trong phần nhạc phim của họ.

Với danh sách dưới đây, có nhiều cách mà âm thanh có thể đóng góp cho bộ phim truyền hình ngoài ý tưởng soundtrack, đó thực sự là lúc để các đạo diễn bắt đầu suy nghĩ về âm thanh và tích hợp nó vào bộ phim trong nhiều cách nhằm thách thức các phương tiện hình ảnh.

Dưới đây là tám bộ phim sử dụng âm thanh và âm nhạc theo cách hợp sức (hoặc chống lại) phần hình ảnh để thêm một lớp khác cho kịch tính của câu chuyện.

1. Pi (1998)

​

Pi của Darren Aronofsky ra mắt năm 1988 mang khán giả vào thế giới tâm thần phân liệt của Max Cohen (Sean Gullette), một nhà lý luận số học người sử dụng các con số để thử thách và tìm hiểu thế giới xung quanh. Trong khi sử dụng máy tính của mình để dự đoán xu hướng thị trường chứng khoán, nó in ra một số bí ẩn có 216 chữ số. Mặc dù ban đầu hoài nghi, Max cho rằng con số này là chìa khóa để hiểu biết bản chất và sự tồn tại của chúng ta.

Bộ phim tiếp tục với Max khi ông cố gắng tránh một công ty Wall Street đầy đe dọa tin rằng con số trên có thể được sử dụng để dự đoán thị trường chứng khoán và một tổ chức tôn giáo tin rằng con số trên lại là tên ngầm của thượng đế.

Một bộ phim kinh phí thấp theo lối siêu thực, Pi là một trải nghiệm đáng sợ và sống động cho khán giả khi gắn kết mối quan hệ giữa âm thanh và hình ảnh thành lợi thế của nó. Đặc biệt với bộ phim này, âm thanh được sử dụng để cho phép khán giả vượt qua thế giới của Max và trải nghiệm môi trường xung quanh từ quan điểm của mình.

Một trong những cảnh thực sự thể hiện việc sử dụng âm thanh để gắn kết mối quan hệ với Max diễn ra vào khoảng phút 52. Sau khi thất bại với một phép tính trên máy tính của mình, Max bị đau đầu nặng. Cảnh sau đó là sự pha trộn một cách nghệ thuật giữa âm thanh thuộc ranh giới truyện kể và âm thanh ngoài truyện kể tạo ra một trải nghiệm khó chịu và hỗn loạn cho người xem.

Sự việc dẫn đến cơn đau đầu của Max là do ông nghe được một cuộc giao hợp từ bên cạnh, mặc dù chưa rõ liệu âm thanh này thực sự là từ trong đầu Max (meta-digetic) hay là âm thanh thực từ màn hình tắt.

Một tiếng khoan chói tai cũng có thể nghe thấy, và đó là một tiếng động mà chúng ta phải giải thích là đến từ trong đầu Max. Âm thanh này kết hợp với những tiếng động tình dục không rõ ràng và những tiếng kêu đau đớn của Max tạo ra một trải nghiệm âm thanh thuộc chứng tâm thần phân liệt, khó chịu và đau buồn cho người xem và thực sự cho phép chúng ta hiểu các nhân vật trong thế giới hoang tưởng.

Điều này kết hợp với diễn xuất tuyệt vời của Sean Gullette và phần dàn dựng thị giác mạnh mẽ mang đến cảm giác của sự bất ổn đến khán giả, tạo ra một phản ứng cảm xúc mà sẽ không thể đạt được nếu không có cả hai phương tiện truyền thông được thực hiện đồng thời.

2. Antichrist (2009)

​

Có lẽ một trong những bộ phim đáng lo ngại nhất của Lars Von Tier, Antichrist là một bộ phim hấp dẫn khai phá các khái niệm về tình dục, nỗi đau của con người, bệnh trầm cảm và bệnh tâm thần. Có lẽ đôi khi bị bỏ qua do bản chất tình dục sống động cùng với cảnh ‘lưỡi kéo’ khét tiếng của nó, Antichrist là một bộ phim đa tầng và được tạo dựng một cách nghệ thuật, đối mặt với nhiều khía cạnh đáng lo ngại trong hành vi con người.

Chứa đựng một soundscape tuyệt vời được tạo ra bởi nhà soạn nhạc Kristian Eidnes Andersen, phần nhạc dựa chủ yếu vào sự im lặng kỳ lạ kéo dài kết hợp với bùng nổ của thiết kế âm thanh đau buồn thêm vào bản chất gây bối rối của bộ phim. Tuy nhiên đó là cảnh đầu tiên trong đó mối quan hệ âm thanh và hình ảnh có lẽ là đạt được mức thú vị nhất của nó.

Được quay với chế độ đen trắng, cảnh mở đầu là một sự tương phản hoàn toàn giữa vẻ đẹp của tình yêu và sự đau khổ của cái chết. Điều này thành công về mặt trực quan bằng cách ghi hình lại tình yêu nồng nàn của nhân vật chính Anh ấy và Cô ấy (Willem Dafoe và Charlotte Gainsbourg) đan dệt giữa những cảnh quay miêu tả cái chết do tai nạn khủng khiếp của con cái họ mở ra.

Về mặt âm thanh, chúng ta có giai điệu hay từ Lascia ch'io pianga của George Frederic Handel trong vở opera Rinaldo được trình diễn năm 1711. Một sáng tác âm nhạc rất tinh tế, hay và cảm động thể hiện một cách âm vang cảm xúc của tình yêu, vẻ đẹp và sự điềm tĩnh. Điều này tương ứng với việc sử dụng tông Fa trưởng quan trọng bậc nhất trong âm nhạc, thứ mà các nhà soạn nhạc thế kỷ 18 gắn với sự yên tĩnh và rõ ràng.

Sự sắp đặt cạnh nhau của âm thanh và hình ảnh tạo ra một ảnh hưởng đáng kể và độc đáo cho người xem, trong đó các giác quan của họ bị đùa giỡn với Von Tier. Nhìn bề ngoài, chúng ta đang chứng kiến những khoảnh khắc của vẻ đẹp nhưng lại đan xen với việc mở ra một tai nạn khủng khiếp, trong khi đó chúng ta nghe phần nhạc làm dịu vẻ đẹp cùng tông cảm xúc với sự kiện hình ảnh mà chúng ta đang xem.

Điều này tạo ra một cảm giác của sự nhầm lẫn cảm xúc cho khán giả khi âm nhạc và hình ảnh có vẻ như không hợp tác với nhau để truyền đạt cảm xúc giống nhau, mà là kết hợp với nhau để truyền đạt cảm xúc trái ngược cho khán giả.

3. Psycho (1960)

​

Psycho cổ điển năm 1960 của Alfred Hitchcock là một bộ phim mang tính bước ngoặt trong thế giới của điện ảnh kinh dị, một bộ phim nhiều cảnh tai tiếng đã truyền cảm hứng cho vô số các nhà làm phim.

Bộ phim phản ánh những câu chuyện của người thư ký bỏ trốn Marion Crane (Janet Leigh) người đã một lần ăn trộm tiền từ người chủ của mình và trong khi chạy trốn, cô dừng lại tại nhà nghỉ Bates, đây chứng tỏ là một quyết định định mệnh. Vai Ran bởi Norman Bates (Anthony Perkins) và Mẹ (Mother), các bước ngoặt khét tiếng ở phần cuối của bộ phim vẫn còn là một điểm then chốt trong điện ảnh hiện đại.

Điều thú vị về âm thanh trong Psycho là một thực tế rằng sự hiện diện hách dịch của Mẹ (Mother) được khắc họa hoàn toàn bằng âm thanh, không có yếu tố trực quan vật lý của các nhân vật gắn liền với âm thanh này. Điều này tạo ra một kịch bản khá thú vị cho người xem, những người mà trong hầu hết thời lượng của bộ phim được hướng đến niềm tin rằng Mẹ (Mother) thực sự có thật, một nhân vật thực tế và hữu hình cho đến phần tiết lộ ở cuối bộ phim.

Khi chúng ta biết rằng Mẹ (Mother) là một ảo tưởng trong tâm trí của Norman, chúng ta xem rất nhiều cảnh với mức ánh sáng khác nhau khi phân tích âm thanh và mối quan hệ thị giác. Ví dụ, khi Marion lần đầu đến nhà nghỉ và được mời ăn với Norman trong nhà, giọng nói của Mẹ (Mother) có thể nghe được Norman tranh cãi và kỷ luật mời người phụ nữ khác vào nhà.

Khi không có biểu hiện vật lý của Mẹ (Mother) trên màn ảnh, nhân vật này hoàn toàn được thể hiện bằng việc sử dụng âm thanh, sử dụng theo cách mang đến cho nhân vật Mẹ (Mother) gần như tất cả yếu tố nhìn thấy/nhận biết, góp thêm vào phần hồi hộp cho bộ phim. Thời hạn cho loại hình sử dụng âm thanh trong phim là acousmêtre; một thuật ngữ của nhà lý thuyết phim ảnh Michael Chion.

Điều này không chỉ mang đến cho các nhân vật vai trò gần như toàn tri, nó còn tạo được một lớp của sự hồi hộp cho bộ phim mà trong trường hợp của Physco thì nó có sức mạnh để thay đổi hoàn toàn phản ứng của chúng ta đối với bộ phim khi xem lần đầu tiên và xem lần nữa lúc đã biết về các khúc ngoặt.

Giọng của Mẹ (Mother) cũng làm mờ đi ranh giới giữa âm thanh ngoài kể chuyện và âm meta-digetic trong cảnh cuối cùng, khi chúng ta được nghe giọng nói của Mẹ từ những suy nghĩ bên trong của Norman trong lần đầu tiên, vượt ra khỏi biểu hiện trước đó của nó như một sự hiện diện mạnh mẽ và thống trị với những lời huyên thuyên trong đầu một kẻ giết người bị tâm thần.

4. Apocalypse Now (1979)

​

Kiệt tác chiến tranh chủ chốt Francis Ford Coppola mang đến cho người xem một cuộc hành trình đầy kịch tính thông qua chiến tranh Việt Nam từ góc nhìn của một trung đội Mỹ. Tự hào với một dàn diễn viên đáng kinh ngạc và câu chuyện kịch tính, bộ phim này rất đáng xem đối với bất kỳ người hâm mộ điện ảnh nào. Như với tất cả các phim của Coppola, Apocalypse Now áp dụng những ứng dụng điện ảnh tuyệt vời kết hợp với lựa chọn âm thanh hảo hạng, giúp tăng cường khả năng kể chuyện của bộ phim.

Nhà thiết kế âm thanh Walter Murch làm việc với Coppola để kết hợp thiết kế âm thanh độc đáo vào quá trình làm phim để tạo ra một tác phẩm âm thanh và trực quan tuyệt đẹp.

Ngay từ cảnh mở đầu, tầm quan trọng của mối quan hệ giữa âm thanh và hình ảnh đã rất rõ ràng. Làm mờ một cảnh quay trống, Murch tạo ra âm thanh một cách chuyên nghiệp cho thấy hình ảnh của một máy bay trực thăng bằng cách tích hợp các xung của cánh quạt máy bay trực thăng vào bài hát cửa ngõ "This is the End".

Điều này giúp mở ra giấc mơ rõ ràng như phân đoạn về Captain Willard (Martin Sheehan), tích hợp cảnh quay quạt trong phòng với âm thanh gợi ý hoạt động của máy bay trực thăng ngoài phòng khách sạn, nhưng cuối cùng gây nhầm lẫn cho người xem về nguồn gốc của âm thanh này.

Tuy nhiên có lẽ cảnh nổi tiếng nhất từ bộ phim này đó là một trải nghiệm âm thanh và thị giác đa tầng kết hợp để tăng cường các lớp của bộ phim cho người xem. Với sự sắp xếp của Richard Wagner The Ride of the Valkyries được chơi như một âm thanh trong kể chuyện trên cảnh những người lính Mỹ bay xuống tấn công một ngôi làng vô tội của Việt Nam. Các âm thanh thể hiện sự đe dọa và có lẽ đã gắn đoạn cụ thể này với một sự liên đới tiêu cực trong rạp chiếu phim nhờ vào việc ứng dụng nó trong Apocalypse.

Trong cảnh đó, Captain Killgor (Robert Duvall) nhìn nhận những âm thanh đe dọa của Valkyries bằng cách ra lệnh lính của mình bật nó lên bằng cách nói; "Nó sẽ mang nỗi sợ hãi ra khỏi các sườn núi – các chàng trai của tôi thích điều đó!". Việc sử dụng âm nhạc ở đây thể hiện thêm một cảm giác trào phúng đặc biệt trong cảnh quay, có lẽ cho thấy sự coi thường mạng sống của các binh sĩ đến những người vô tội mà họ bắn vào.

Tuy nhiên, những âm thanh trong phần nhạc hoành tráng và vĩ đại thường gắn với Wagner cũng đóng góp một phần quyền lực và và sức mạnh cho hạm đội máy bay trực thăng như khi họ di chuyển thành nhóm trên biển chuẩn bị cho cuộc tấn công.

Một lần nữa đây là một ví dụ về âm nhạc được sử dụng trong một cảm giác gợi mở để mang lại nhiều cảm xúc cho một cảnh hơn chỉ là những gì hình ảnh có thể mô tả. Đây là một ứng dụng quan trọng và hiệu quả của âm thanh vì nó cho phép nhiều lớp khái niệm được thêm vào phim, trong đó giúp người xem nằm bắt được mức độ sâu sắc của bộ phim.

5. Atonement (2007)

​

Bộ phim Joe Wright WW1 đẹp này phản ánh câu chuyện của những người yêu thích Robbie Turner (James McEvoy) và Cecilia Tallis (Ciara Knightly), có cuộc sống bị chệch hướng do sự hiểu lầm đáng tiếc của em gái Briony Tallis (Saoirse Ronan), người giả cáo buộc Robbie phạm tội.

Hậu quả của lời buộc tội này chia cách cặp vợ chồng và cuộc sống của Robbie khi ông chiêu mộ để chống lại cuộc chiến tranh kết thúc bản án tù của ông trong khi Cecilia tình nguyện là một y tá để hỗ trợ các nỗ lực chiến tranh.

Khi chúng ta đi đến kết thúc của bộ phim, chúng tôi phát hiện ra rằng những gì chúng ta đã được xem là những lời kể lại câu chuyện qua con mắt của một Briony già hơn và hối hận rất nhiều, người mà trên thực tế đã thay đổi những điều thực sự diễn ra trong những năm sau lời buộc tội, để cho phép em gái mình và Robbie có một kết cục có hậu như họ mong muốn.

Suốt bộ phim, thiết kế âm thanh tuyệt vời cung cấp manh mối cho khán giả gợi ý rằng những câu chuyện có thể không được như vẻ bề nổi của nó, chủ yếu là bởi hình thức âm thanh của một chiếc máy đánh chữ - công cụ của tác giả. Một yếu tố quan trọng của các tình tiết và cốt truyện kịch tính riêng, bộ phim bắt đầu với những âm thanh của một người nào đó bằng cách sử dụng máy đánh chữ, được tiết lộ là một thanh niên Briony 13 tuổi hoàn thành xong một vở kịch.

Tuy vậy, điều thú vị là, khi Briony băng vội qua nhà để công bố việc hoàn thành vở kịch của mình, chiếc máy đánh chữ trở thành một âm thanh ngoại truyện và tích hợp chính nó như là một tính năng nổi bật của các bảng phổ nhạc. Điều này truyền âm nhạc ghi bàn và máy đánh chữ âm thanh xuất hiện xuyên suốt bộ phim thưa thớt, nhưng luôn luôn trong những lúc cao điểm trong câu chuyện.

Một lần nữa, âm thanh máy đánh chữ tích hợp âm nhạc này có thể được nghe thấy trong lời thú nhận sai Briony của cảnh sát, và một lần nữa khi chúng ta được đưa trở lại vào thế giới của Briony là một y tá phụ nữ trẻ trong chiến tranh. Những bổ sung âm thêm vào xoắn của bộ phim, và có thể được hiểu là những đầu mối âm đó thêm một lớp của bộ phim đến với khán giả; hành động nhắc nhở như âm thanh mà chúng tôi đang thực sự chứng kiến kể lại cuốn tiểu thuyết hư cấu Briony như trái ngược với các tài liệu thực tế của sự kiện.

Tất nhiên điều này chỉ có thể được giải thích như vậy khi xem thứ hai của bộ phim, nhưng một khi tiết lộ vào cuối được biết đến, nó trở nên rõ ràng rằng sự bao gồm của những âm thanh của máy đánh chữ có một vai trò khá quan trọng trong câu chuyện, như trái ngược với chỉ đơn giản là thẩm mỹ.

6. Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (2014)

​

Câu chuyện của Alejandro G. Inarritu 2014 về một diễn viên thất bại trong nỗ lực vực lại chính mình là một bộ phim được quay đẹp, với một cảm giác khó chịu và điên cuồng về điện ảnh và nhạc nền trong suốt bộ phim. Phần nhạc chủ yếu được thực hiện bằng trống, giúp thêm vào phần diễn xuất tâm thần phân liệt của Michael Keaton. Tuy nhiên, một cảnh trong bộ phim sử dụng đoạn trích của Bản giao hưởng số 2 cung Mi thứ Op. 27 bởi Sergei Rachmaninoff.

Cảnh này là rất thú vị vì bộ phim thực sự thoát ra khỏi thế giới của chủ nghĩa hiện thực mà không ăn nhập gì với phần còn lại của bộ phim. Trong cảnh này Riggan Thompson (Keaton) nhảy ra khỏi một tòa nhà kiên cố với nỗ lực tự tử, nhưng thay vì rơi qua khoảng không, ông mô phỏng vai trò duy nhất khiến ông trở nên nổi tiếng, Birdman (Người chim).

Trước khi ông thực hiện bước nhảy, Riggan nói từ "Music" (Âm Nhạc), đưa ra dấu hiệu cho sự bắt đầu của Rachmaninoff. Điều này mang đến cho cảnh quay một yếu tố tưởng tượng, siêu thực và cho phép chúng ta hiểu rằng chúng ta đang ở trong vũ trụ ký tự.

Đoàn giao hưởng (Symphony) sử dụng cảnh này nâng cao tinh thần, nâng cao vị thế và dõi theo cuộc hành trình của Riggan khi ông bay qua thành phố, cuối cùng hạ cánh bên ngoài nhà hát, nơi ông chỉ vào một người hướng dẫn chỗ ngồi trong nhà hát và yêu cầu anh ta "Tắt nhạc", cũng là một dấu hiệu cho việc dừng đột ngột của Đoàn giao hưởng (Symphony).

Điều thú vị ở đây là phản ứng của người hướng dẫn chỗ ngồi trong rạp hát đối với sự việc này là một sự nhầm lẫn, điều này cho người xem thấy rằng toàn bộ phân đoạn này là một sự tưởng tượng, chuỗi giấc mơ mà Riggan tưởng tượng trong đầu. Hơn nữa để đề xuất điều này, Riggan đi vào nhà hát và một người lái taxi đã đưa ông đến nhà hát theo ông đòi công bằng.

Điều này rất quan trọng trong bối cảnh của cảnh quay này, vì nó ám chỉ một trạng thái tinh thần của các nhân vật vào thời điểm này của bộ phim. Ngay từ đầu phim, rõ ràng là Riggan có một số khuynh hướng tâm thần phân liệt, và sự kiện tại phần này của câu chuyện ám chỉ đến ý tưởng rằng trạng thái tinh thần của ông đã xấu đi đáng kể từ khi bắt đầu của bộ phim.

Một lần nữa như trong Pi (1998), đây có thể được định nghĩa là một âm thanh meta- digetic, cho phép chúng ta vào thế giới của các nhân vật, cho phép chúng ta nhìn từ quan điểm của họ mà trong trường hợp này là một trong những bất ổn về tinh thần và ham muốn.

Một cách tiếp cận tinh tế nhưng cực kỳ hữu ích đó là một ví dụ tuyệt vời của âm nhạc được sử dụng như một công cụ để tăng cường các yếu tố kịch tính theo một cách mà các phương tiện hình ảnh không thể đạt được khi sử dụng riêng lẻ.

7. Jaws (1975)

​

Phim săn cá mập của Steven Spielberg năm 1975 là một ví dụ điển hình về bộ phim sử dụng âm nhạc và âm thanh để tăng cường kịch tính đến khán giả. Một trong những mô tuýp âm nhạc được biết đến nhiều nhất mọi thời đại, hai mô tuýp nhạc John Williams đã trở nên nổi tiếng như chính bộ phim.

Các kỹ thuật được sử dụng bởi Williams được gọi là một leitmotif, nơi mà một cụm từ âm nhạc cụ thể được gán với một nhân vật cụ thể. Lịch sử của việc sử dụng các leitmotif trở lại những vở opera của Richard Wagner, người soạn nhạc đầu tiên thai nghén ý tưởng và gán các mô tuýp âm nhạc cụ thể với sự xuất hiện của các nhân vật. Nhà soạn nhạc phim ban đầu như Max Steiner bắt đầu tích hợp các kỹ thuật vào tác phẩm của ông trong phim và nó đã dần trở nên phổ biến từ đó.

Điều tuyệt vời trong việc sử dụng leitmotif là các nhân vật được nhắc đến có thể được đề xuất bởi âm nhạc mà không cần phải xuất hiện trên màn hình. Điều này cho phép các đạo diễn có cơ hội để gợi mở sự hiện diện của các nhân vật, hoặc thậm chí ám chỉ sự tham gia của nhân vật trong một sự kiện mà không cần có sự vật hiện diện trực quan.

Trong trường hợp của Jaws, Spielberg và Williams thường xuyên không sử dụng leitmotif cho các hiệu ứng lớn, đến mức phần nhạc dự cảm gần như cũng nhiều như chính nhân vật cá mập trên thực tế. Âm nhạc cho thấy sự hiện diện của một thợ săn, tốc độ đập nhanh hơn khi nó ngoạm con mồi của nó với t lần trong phim là tất cả những gì cần thiết để mô tả sự đáng sợ của cuộc tấn công cá mập.

Một trong những cảnh kéo dài 25 phút trong bộ phim, một ngư dân rơi xuống nước do cá mập đánh bật một phần của con tàu ông đang đứng. Trong khi chúng ta không nhìn thấy con cá mập trong các nỗ lực điên cuồng của ngư dân để thoát ra khỏi biển nước, âm nhạc cho thấy sự hiện diện điên cuồng và đáng sợ của những con cá mập đang tiến gần hơn tới nạn nhân tiềm năng.

May mắn thay, ông trốn thoát không hề hấn gì, nhưng cảnh này thể hiện một cách hoàn hảo tác dụng của leitmotif, tạo cảm giác của con cá mập săn đuổi nạn nhân của nó mà không có hình ảnh cá mập hiện diện trực quan.

Cảnh này khéo léo sử dụng các ý tưởng của leitmotif để gợi mở một nhân vật của bộ phim mà không cần phải hiển thị trên màn hình. Các đại diện bằng âm thanh của nhân vật rất mạnh mẽ như một cảnh quay hình ảnh, và trong trường hợp này sự chuyển biến âm nhạc theo cách cho thấy nạn nhân là một động vật ăn thịt biết săn mồi, mà cuối cùng đã thành công trong việc ghi được một cảnh quay đáng sợ chỉ sử dụng một tài liệu tham khảo âm nhạc về nhân vật.

8. American Psycho (2000)

​

Diễn xuất siêu sao của Christian Bale trong vai Patrick Bateman trong Mary’s Harron’s American Psycho là một cái nhìn thú vị về những suy nghĩ của một kẻ giết người hàng loạt. Ghi hình một mặt tối của sự hài hước, bộ phim là một bước ngoặt thú vị nối tiếp phong cách phim sát thủ truyền thống. Những cảnh sau đây là một ví dụ hoàn hảo của sự hài hước đen tối này, và việc sử dụng âm nhạc mang tính hài hước đen này trải dài bộ phim.

Các cảnh quay được nói đến là Huey Lewis nổi tiếng và cảnh kẻ giết người News nơi Bateman mời Paul Allen (Jared Leto) trở về căn hộ của mình và mời nước chuẩn bị cho vụ giết người.

Trong khi dẫn dắt đến hành động giết người, Bateman trò chuyện sâu sắc tuyệt vời với Paul về tình yêu của ông đối với Huey Lewis và News, cuối cùng đưa vào ca khúc yêu thích của ông "You don’t be hip to be a square" thông qua hệ thống âm thanh. Đột nhiên, ông tấn công Paul say xỉn bằng một cái rìu, cắt đi phần cơ thể của ông trong khi âm nhạc lạc quan vẫn tiếp tục phát.

Một cảnh khá nổi tiếng do việc sử dụng các bài hát đặc biệt, âm nhạc mang đến một sự mỉa mai nhất định và cảm giác châm biếm những gì có thể có nếu không phải một cảnh khủng khiếp và tàn bạo. Hãy nghĩ về điều đó, nếu Bateman đã giết Allen cho bản nhạc của chuỗi Bernard Herrmann từ kẻ giết người Psycho, cảnh này sẽ mang đến một cảm giác và tác động hoàn toàn khác biệt đối với người xem. Thay vào đó nó gây ra cảm giác khó chịu và một sự nhầm lẫn cảm giác.

Trong khi tai của người xem đang tận hưởng một bài hát sôi nổi và lạc quan khiến họ kết hợp những cảm xúc của niềm vui và hạnh phúc, đôi mắt của họ lại chứng kiến một hành động tàn bạo và hung hăng khủng khiếp đối với đồng loại mình.

Điều này tạo ra một gạch nối giữa thị giác và thính giác, điều này thách thức sự chuyển đổi và phản hồi cảm xúc của người xem đối với cảnh quay. Cuối cùng, nó làm cho cảnh quay đáng nhớ hơn và nổi bật hơn rất nhiều, bất chấp các tiêu chuẩn thường được trông mong là gắn với những cảnh giết người tàn bạo.

tham khảo tasteofcinema
biên tập 24hinh.vn​